Perdeler hızla açılırken yanımdaki bir adam, “Vay,” dedi.
O, ben ve birkaç yüz kişi Manhattan’daki Hudson Yards’taki sanat merkezi olan Shed’deki büyük bir odada bekliyorduk. Uğursuz, sersemletici fon müziği, sanki bir uzaylıyla karşılaşacakmış gibi çalıyordu.
Sonra bu perdeler aralandı ve çok daha büyük bir oda ortaya çıktı: Kulübenin devasa McCourt odası, burada uzak tavandan sarkan ve kırmızı ışıkla yıkanan, İsviçre peyniri gibi deliklerle delinmiş 25 metre çapında bir küre.
Bu çarpıcı – gerçekten hayret uyandıran – manzara, Almanya’ya 1970’lerin Osaka’sının ilk konser salonunu inşa etmesi için ilham veren parlak, kıyaslanamayacak kadar çılgın besteci Karlheinz Stockhausen’in (1928-2007) bir konser salonu tasarımının uyarlaması olan Sonic Sphere idi. Dünya Fuarı, Japonya.
Elektroakustik deneyler ve bir helikopterde çalan yaylılar dörtlüsü gibi tuhaf tahayyüllerin bir izlenimi olan Stockhausen, “küre oditoryumunun” izleyicilerini kürenin içindeki ses geçirgen bir düzlemde tasavvur etti; onlara.
Osaka Fuarı’nın açık olduğu altı ay boyunca, yüzbinlerce insan geldi ve canlı performansların yanı sıra yuvarlak çalma özelliklerine uyarlanmış kayıtlı müzikleri dinledi. Ardından, sonraki yarım yüzyıl boyunca fikir uykuda kaldı; Carnegie Hall ve Wiener Musikverein bozulmadan kaldı ve yerini dev küreler almadı.
Birkaç yıl önce Ed Cooke (biyografisinde onu “çok disiplinli bir bilinç araştırmacısı” olarak tanımlıyor), ses tasarımcısı Merijn Royaards ve projenin teknik lideri Nicholas Christie liderliğindeki bir ekip ortaya çıktı.
Fransa, Büyük Britanya, Meksika ve Amerika Birleşik Devletleri’nde Sonik Küreler inşa ettiler. Little Shop of Horrors’daki bitki gibi her seferinde mekanizma büyüdü. Temmuz ayının sonlarına kadar açık olan baraka versiyonu, havada ilk olacak ve 2 milyon dolardan fazlaya mal olacak.
Osaka’da olduğu gibi, bazı sunumlarda teyp müziği var; bazıları yaşıyor. Cumartesi günü kürenin girişine giden birçok basamağı tırmandım ve herkes gibi rahat, hamak benzeri bir koltuğa kurulup İngiliz grup the xx’in baştan çıkarıcı kasvetli 2009 tarihli ilk albümünü dinledim. Kırk beş dakika sonra, piyanist Igor Levit, Morton Feldman’ın 1986 yapımı “Palais de Mari”sini yeni bir izleyici kitlesine tanıtmak için şahsen ortaya çıktı.
Bu büyük topun kumaş kaplamasında, müzikle birlikte zamanla değişme eğiliminde olan renk ve konfigürasyonlarda ışıklar oynuyordu. Ancak bu yaz Beyoncé veya Taylor Swift’in yüksek çözünürlüklü stadyum şovlarını izliyor olabilecek izleyiciler için görüntüler bulanık ve ilkeldi; Sunumun kendisini 1970’te en çok kapana kısılmış bulan yönü buydu.
Ve 124 hoparlörden gelen ses deneyimi en iyi ihtimalle sıradandı. xx remiksi, bası vokallerden iyi bir şekilde ayırıyor ve bu, kürenin alt ucundan fark edilir şekilde ama çok fazla yükselmiyor. Ancak ikna edici bir son olmadan, albümün fısıldanan samimiyeti çok daha sıkıcı bir ihtişama yükseltildi.
Levit için durum daha stresliydi. “Palais de Mari”nin seyrek, geniş akorları aşağı yukarı temiz ve yalnızca hafif bir tınıyla duyulurken, başlangıç olarak çaldığı Bach koralinin sesi çamurluydu; Akustik enstrümanları 124 kat yükseltmek sürekli bir zorluktu. Ve Levit ile sanatçı Rirkrit Tiravanija’nın ortak çalışması olan titreşen aydınlatma, Feldman’ın buz gibi sertliğine pek bu kadar yakın olamazdı.
Sonic Sphere’in tüm güçlendirilmiş şıklığına rağmen, Cumartesi günkü program, Shed’in sanat yönetmeni Alex Poots’un Park Avenue Armory Uptown’da kaldığı süre boyunca onlara tanıttığı sanatçılardan daha ilginç bir makyaj gibi geldi.
Orada xx, 2014 yılında gösteri başına yalnızca birkaç düzine kişinin önünde ünlü (canlı) bir konuk sanatçılığını tamamladı. Levit, ertesi yıl Marina Abramovic’in düzenlediği ayrıntılı bir konsantrasyon egzersizinin parçası olarak Bach’ı çaldı. (Artık New York’un bohem mekanlarının vazgeçilmezi, bu sonbaharda Perelman Gösteri Sanatları Merkezi açıldığında piyanonun başında baş aşağı mı asılı kalacak?)
Bu cephanelik gösterileri, her iki kulübe setinden daha akılda kalıcıydı. Her ikisi de Cumartesi günü 40 dakikanın altındaydı, ancak süre dolmadan çok önce gerginleştiğimi fark ettim. Belki de geçen yıl bir Sonic Sphere’in inşa edildiği Nevada çölündeki tekno-hippi-hedonist bonanza Burning Man’deki izleyiciler, akşam yemeğinde içtiğim Coke Zero I’den daha fazla dalmış ve bunu daha sert uyuşturucularla deneyimlemişlerdi.
Ayık bir seviyede, bu odadaki hiçbir müzik başka hiçbir yerden daha ilginç, etkili, aydınlatıcı veya aydınlatıcı değildi. Perdeler açılınca ve herkes telefonlarını çıkardığında, sosyal medyada büyük ve göz alıcı bir şeyin resimlerini yayınlamaya hazırken, asıl meselenin ilk ifşa olduğu açıktı.
Yani Instagram cazibesi için milyonlarca dolar – ancak yaratıcıları aynı zamanda onu “deneysel, deneyimsel ve işbirlikçi” “empati için sınırsız bir araç” olarak lanse etmemişlerse sorun değil. Aslında, Sonic Sphere’de seyirci arkadaşlarımdan, hatta yanımda yatanlardan bile, diğer geleneksel konser salonlarının çoğundan daha uzak hissettim.
Bu açıdan küre, Shed’deki diğer mevcut teklifle aynı: Mart ayında ölen besteci Ryuichi Sakamoto’nun solo piyano konçertosunun garip bir sanal gerçeklik simülasyonu.
Empati? topluluk deneyimi? Hayır, Sakamoto’nun hologram benzeri hayaleti, ben VR gözlüklerini takarken şeffaf bir hayalete dönüşen benimle birlikte izleyen diğer insanlardan daha canlı ve önemliydi.
Sonic Sphere’in bekleme odasındaki duvar yazısı, teknolojinin bizi birbirimizden izole edebileceğini kabul ediyor, ancak bunun böyle olması gerekmediğini de ekliyor: “onlara sahip olduğumuz bir yol.” harekete geçirin.
Ancak çok fazla hırslı, boş, hayal kırıklığı yaratan ve nihayetinde iç karartıcı teknolojide olduğu gibi, bu pahalı gösterinin uyandırdığı eylem sadece geçici bir “vay” anıdır.
O, ben ve birkaç yüz kişi Manhattan’daki Hudson Yards’taki sanat merkezi olan Shed’deki büyük bir odada bekliyorduk. Uğursuz, sersemletici fon müziği, sanki bir uzaylıyla karşılaşacakmış gibi çalıyordu.
Sonra bu perdeler aralandı ve çok daha büyük bir oda ortaya çıktı: Kulübenin devasa McCourt odası, burada uzak tavandan sarkan ve kırmızı ışıkla yıkanan, İsviçre peyniri gibi deliklerle delinmiş 25 metre çapında bir küre.
Bu çarpıcı – gerçekten hayret uyandıran – manzara, Almanya’ya 1970’lerin Osaka’sının ilk konser salonunu inşa etmesi için ilham veren parlak, kıyaslanamayacak kadar çılgın besteci Karlheinz Stockhausen’in (1928-2007) bir konser salonu tasarımının uyarlaması olan Sonic Sphere idi. Dünya Fuarı, Japonya.
Elektroakustik deneyler ve bir helikopterde çalan yaylılar dörtlüsü gibi tuhaf tahayyüllerin bir izlenimi olan Stockhausen, “küre oditoryumunun” izleyicilerini kürenin içindeki ses geçirgen bir düzlemde tasavvur etti; onlara.
Osaka Fuarı’nın açık olduğu altı ay boyunca, yüzbinlerce insan geldi ve canlı performansların yanı sıra yuvarlak çalma özelliklerine uyarlanmış kayıtlı müzikleri dinledi. Ardından, sonraki yarım yüzyıl boyunca fikir uykuda kaldı; Carnegie Hall ve Wiener Musikverein bozulmadan kaldı ve yerini dev küreler almadı.
Birkaç yıl önce Ed Cooke (biyografisinde onu “çok disiplinli bir bilinç araştırmacısı” olarak tanımlıyor), ses tasarımcısı Merijn Royaards ve projenin teknik lideri Nicholas Christie liderliğindeki bir ekip ortaya çıktı.
Fransa, Büyük Britanya, Meksika ve Amerika Birleşik Devletleri’nde Sonik Küreler inşa ettiler. Little Shop of Horrors’daki bitki gibi her seferinde mekanizma büyüdü. Temmuz ayının sonlarına kadar açık olan baraka versiyonu, havada ilk olacak ve 2 milyon dolardan fazlaya mal olacak.
Osaka’da olduğu gibi, bazı sunumlarda teyp müziği var; bazıları yaşıyor. Cumartesi günü kürenin girişine giden birçok basamağı tırmandım ve herkes gibi rahat, hamak benzeri bir koltuğa kurulup İngiliz grup the xx’in baştan çıkarıcı kasvetli 2009 tarihli ilk albümünü dinledim. Kırk beş dakika sonra, piyanist Igor Levit, Morton Feldman’ın 1986 yapımı “Palais de Mari”sini yeni bir izleyici kitlesine tanıtmak için şahsen ortaya çıktı.
Bu büyük topun kumaş kaplamasında, müzikle birlikte zamanla değişme eğiliminde olan renk ve konfigürasyonlarda ışıklar oynuyordu. Ancak bu yaz Beyoncé veya Taylor Swift’in yüksek çözünürlüklü stadyum şovlarını izliyor olabilecek izleyiciler için görüntüler bulanık ve ilkeldi; Sunumun kendisini 1970’te en çok kapana kısılmış bulan yönü buydu.
Ve 124 hoparlörden gelen ses deneyimi en iyi ihtimalle sıradandı. xx remiksi, bası vokallerden iyi bir şekilde ayırıyor ve bu, kürenin alt ucundan fark edilir şekilde ama çok fazla yükselmiyor. Ancak ikna edici bir son olmadan, albümün fısıldanan samimiyeti çok daha sıkıcı bir ihtişama yükseltildi.
Levit için durum daha stresliydi. “Palais de Mari”nin seyrek, geniş akorları aşağı yukarı temiz ve yalnızca hafif bir tınıyla duyulurken, başlangıç olarak çaldığı Bach koralinin sesi çamurluydu; Akustik enstrümanları 124 kat yükseltmek sürekli bir zorluktu. Ve Levit ile sanatçı Rirkrit Tiravanija’nın ortak çalışması olan titreşen aydınlatma, Feldman’ın buz gibi sertliğine pek bu kadar yakın olamazdı.
Sonic Sphere’in tüm güçlendirilmiş şıklığına rağmen, Cumartesi günkü program, Shed’in sanat yönetmeni Alex Poots’un Park Avenue Armory Uptown’da kaldığı süre boyunca onlara tanıttığı sanatçılardan daha ilginç bir makyaj gibi geldi.
Orada xx, 2014 yılında gösteri başına yalnızca birkaç düzine kişinin önünde ünlü (canlı) bir konuk sanatçılığını tamamladı. Levit, ertesi yıl Marina Abramovic’in düzenlediği ayrıntılı bir konsantrasyon egzersizinin parçası olarak Bach’ı çaldı. (Artık New York’un bohem mekanlarının vazgeçilmezi, bu sonbaharda Perelman Gösteri Sanatları Merkezi açıldığında piyanonun başında baş aşağı mı asılı kalacak?)
Bu cephanelik gösterileri, her iki kulübe setinden daha akılda kalıcıydı. Her ikisi de Cumartesi günü 40 dakikanın altındaydı, ancak süre dolmadan çok önce gerginleştiğimi fark ettim. Belki de geçen yıl bir Sonic Sphere’in inşa edildiği Nevada çölündeki tekno-hippi-hedonist bonanza Burning Man’deki izleyiciler, akşam yemeğinde içtiğim Coke Zero I’den daha fazla dalmış ve bunu daha sert uyuşturucularla deneyimlemişlerdi.
Ayık bir seviyede, bu odadaki hiçbir müzik başka hiçbir yerden daha ilginç, etkili, aydınlatıcı veya aydınlatıcı değildi. Perdeler açılınca ve herkes telefonlarını çıkardığında, sosyal medyada büyük ve göz alıcı bir şeyin resimlerini yayınlamaya hazırken, asıl meselenin ilk ifşa olduğu açıktı.
Yani Instagram cazibesi için milyonlarca dolar – ancak yaratıcıları aynı zamanda onu “deneysel, deneyimsel ve işbirlikçi” “empati için sınırsız bir araç” olarak lanse etmemişlerse sorun değil. Aslında, Sonic Sphere’de seyirci arkadaşlarımdan, hatta yanımda yatanlardan bile, diğer geleneksel konser salonlarının çoğundan daha uzak hissettim.
Bu açıdan küre, Shed’deki diğer mevcut teklifle aynı: Mart ayında ölen besteci Ryuichi Sakamoto’nun solo piyano konçertosunun garip bir sanal gerçeklik simülasyonu.
Empati? topluluk deneyimi? Hayır, Sakamoto’nun hologram benzeri hayaleti, ben VR gözlüklerini takarken şeffaf bir hayalete dönüşen benimle birlikte izleyen diğer insanlardan daha canlı ve önemliydi.
Sonic Sphere’in bekleme odasındaki duvar yazısı, teknolojinin bizi birbirimizden izole edebileceğini kabul ediyor, ancak bunun böyle olması gerekmediğini de ekliyor: “onlara sahip olduğumuz bir yol.” harekete geçirin.
Ancak çok fazla hırslı, boş, hayal kırıklığı yaratan ve nihayetinde iç karartıcı teknolojide olduğu gibi, bu pahalı gösterinin uyandırdığı eylem sadece geçici bir “vay” anıdır.